LADRIDOS - MUNCH - Expresionismo.

Como siempre nos acercamos muy poquito (para no asustar) a un movimiento complejo y que sorprendió al mundo a principios del siglo XX. Lo hacemos con uno de sus miembros.

Edvard Munch es considerado como el mejor pintor noruego. Nació el 12 de diciembre de 1863.

Descubrió a los impresionistas en varios viajes a París, reconoció una especial admiración por Gauguin. Comenzó pintando influenciado por el impresionismo pero pronto realizó varias obrar con su estilo, muy personal, y pronto generó un escándalo en Oslo cuando presentó su obra “la niña enferma”. En aquella época, año 1886, el público de Oslo no estaba acostumbrado a un tipo de arte que busca pintar los sentimientos, alejandose de las formas.

“no pueden entender …. que un árbol puede ser rojo o azul, que un rostro puede ser azul o verde, saben que es falso, desde que son pequeños les han enseñado que las hojas son verdes, que el color de la piel es de un bonito tono rosado …”  Edvard Munch.

Evoluciona su pintura comenzando a utilizar los colores de forma simbólica, no naturista, no trata de copiar los colores que vemos en la realidad. Reduce las figuras y objetos  que pinta a su forma más esquemática, utiliza la pincelada para acentuar la expresión de ese esquema que crea con grandes y rápidos trazos.

“Para ellos es una broma hecha a toda prisa, o un arrebato de locura, no pueden entender que estos lienzos se realizan con seriedad.” Edvard Munch.

Entre sus cuadros aparecen constantemente la muerte, la enfermedad, la religión. Trata de profundizar en los sentimientos, pintando a la soledad, angustia, erotismo, muerte.

También aparece la naturaleza, siempre desde un punto de vista simbólico, utilizando los colores para pintar una realidad que se oculta detrás de las formas. Que se siente

"La cámara fotográfica no podrá competir con el pincel y la paleta mientras no pueda utilizarse desde el cielo y desde el infierno" Edvard Munch.

Munch creó un estilo completamente nuevo, realizó multitud de obras y fue reconocido en vida, recibiendo numerosos homenajes en la etapa final de su vida. Murió con más de 80 años y más de 1000 cuadros, 15.000 grabados y también dibujos, acuarelas y esculturas.

EXPRESIONISMO. 

Surgió en Alemania a principios del siglo XX.

No podemos definir el expresionismo reduciéndolo a unas características comunes. Fue un movimiento heterogéneo. Es  una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

Los expresionistas defendían un arte personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

LA RACIÓN DEL DÍA - Paisaje gritando.

Juguemos con los buscavidas: miráis el cuadro durante unos minutos (¡¡espero que tengáis tiempo en vuestra apretada agenda!!), pensáis sobre la obra, lo que cuenta el pintor, sus colores, como son las pinceladas, espesor de la pintura, todo lo que se os ocurra. Sería ideal que lo hicierais como si lo estuvierais explicando a un amigo, o imaginando que el cuadro ha sido pintado por vosotros. Y después, si os sobra tiempo, continuais leyendo.

EL GRITO - 1893

Edvard Munch.

Es un atardecer en un puente o paseo junto al mar. Un cielo ardiente se está desplomando sobre un paisaje azul intenso. ¿algún acantilado?¿algo de bosque?. Las pinceladas rojas tan densas del cielo lo hacen tan pesado que se está cayendo casi literalmente sobre el mar. 

El contraste de los azules con rojos intensifica la agresividad de la pintura. Y una pincelada rápida gira sobre el lienzo sin pararse en detalles. Munch quiere hacer gritar al paisaje. Buscar el interior, la expresión. No la forma.

En contraste con el mar, el puente y su barandilla cruzan agresivamente el cuadro en diagonal, partiendo en dos el lienzo. Aumentando la angustia que genera el cuadro. El puente lo resuelve insinuando las maderas del suelo con reflejos sacados del cielo.

           

Dos figuras pasean con sombrero. Tranquilas. Como si nada sucediera, ajenas al estruendo, ajenas al grito que está dando la naturaleza.

 Sí, es la naturaleza la que grita, no la figura principal. Que en primer plano nos mira sin ojos. Está tapándose tan fuerte los oídos que su cabeza está a punto de explotar entre sus manos. Su cuerpo se contonea como un junco  desequilibrado por el grito. Abre la boca de dolor, como acto reflejo, para soportar mejor un sonido que solo él escucha.

Al fondo dos barcos en el mar, que gracias a la perspectiva hacen más grande al paisaje, dan más profundidad a la escena, logrando así multiplicar el grito de la naturaleza.



LADRIDOS DE NOVIEMBRE. Dejando huella

                                                   PICASSO

Ya son cuatro meses desde el último bombardeo. Quedó todo cubierto por una neblina de polvo, restos de edificios flotando en el aire. Después algo peor que el silencio. Mucho peor. La gente llamando a los que no encuentra. Llamando a los que no están. Y gritos desgarradores cuando estos eran encontrados muertos.

No puedo quitarme de la cabeza la imagen de los rostros desencajados por el sufrimiento.  

Ya son cuatro meses con una idea en la cabeza, la idea del dolor. El dolor de una madre que ha perdido a su hijo, un hijo pequeño, de apenas 8 años, indefenso, todo sonrisa y dulzura, nada de maldad en sus travesuras. Pero que muere. Y mayor horror si es muerto por una guerra, muerto por otros hombres. La madre mezcla dolor con rabia, dolor con rencor, dolor con querer matar y querer morir. Dolor, dolor, dolor. El dolor se hace locura.

He hecho muchos bocetos para atrapar la idea. De ellos saldrán muchos cuadros. Todos ellos con madres desesperadas de rostros angustiados. Quiero pintar el alma hecha pedazos y reflejar con toda la fuerza que pueda en un lienzo esa angustia. Contarlo gritando al mundo con un cuadro. Y que el eco de ese grito perdure y llegue hasta oídos de hombres que aun no han nacido, algo que solo puede conseguir una obra maestra.

Doy forma a la mujer,  dibujo sus rasgos desencajados con gruesas líneas negras y solidas para mostrar que su interior está roto. Dolor y odio. Mezclar colores para intentar reflejar esa mezcla de  sentimientos.

     Usar verdes y amarillos, el color de la carne podrida, no me basta con una madre pálida por el sufrimiento. Quiero más. Una madre vestida con la piel de un muerto porque su alma ha muerto con su hiijo. Los verdes y amarillos funcionan.

     Mandíbulas fuertes, grandes, con dientes desgarradores, rabia. Preparados para matar mordiendo si tuviera ocasión de encontrarse cara a cara con el asesino de su hijo. En la boca el odio y la fuerza que da el odio.

     Contrastando con la firmeza y agresividad de la boca, pinto los ojos. Desencajados por el dolor. Inestables, blandos, destrozados. Imagen de la locura provocada por un alma partida. Imagen de una persona que solo puede pensar en una cosa, una madre que solo puede sentir la muerte presente.

Las manos tratan de tapar el rostro. Como si ocultando su cara consiguiera huir de esta realidad. Negar la muerte que está delante de ella. No ver para no sentir. Pero no lo consigue. Se ayuda de un pañuelo ya muy arrugado de llorar tantas horas.

Reforzando esa sensación de estar apunto del desmayo, una sola lágrima recorre su mejilla. No puede llorar más.

El sombrero elegante, rojo, alegre. Con una bonita flor azul. El cabello peinado y largo. Una vida feliz, un paseo feliz  interrumpido de golpe, para siempre, por la muerte.

 

                                                  MUJER QUE LLORA - PICASSO

 

Especial Noche de Brujas.

Las brujas de Cervantes y Goya.

España, como el resto de Europa, tiene una gran tradición brujeríl arrastrada desde la edad media. A modo de ejemplo haremos referencia brevemente a dos artistas. Cervantes y Goya.

La noche de Halloween es entre nosotros la noche de brujas. Y es nombrar las palabras noche y brujas para que de su mano nos llegue el aquelarre y Goya con sus Caprichos y Pinturas Negras.

Los caprichos son 80 grabados. Obras donde se representan diferentes escenas, alguna de ellas grotescas, a través de las cuales hace una sátira a la sociedad, especialmente a la nobleza y al clero. También a las supersticiones. Goya estaba muy relacionado con los ilustrados y sus grabados fueron una forma con la que criticar los defectos de su época.

CAPRICHO Nº 68

LINDA MAESTRA

Lo que vemos: la vieja y experta bruja inicia en las artes de la brujeria a la novicia.
Lo que "quizá" quería que viéramos: alcahuetas que enseñan a jovenes mujeres negocios más rentables para volar alto.




AQUELARRE o EL GRAN CABRÓN.

Pertenece a su etápa de las pinturas negras. caracterizada por el uso de una paleta sucia, de colores "manchados por el negro". 
La pincelada es muy suelta y logra un gran contraste jugando con la luz, (el pañuelo de la bruja central y la gran mancha negra que es el diablo son dos ejemplos). 
Crea la sensación de ser un grupo grande de gente al juntar mucho las brujas. Y acentua la perspectiva al pintar con más detalle las caras de las primeras filas, dejando las del fondo insinuadas.
Para los observadores: hay una misteriosa figura representada en el cuadro que está fuera de lugar.

Cervantes también estaba fascinado por personajes siniestros, algunos reales, la mayoría fantásticos. Personajes que acabaron apareciendo en sus obras. En uno de sus relatos, coloquio de perros,  hizo una descripción que recogió de la tradición medieval y contribuye a formar el arquetipo de la vieja bruja española.

Atención que es Cervantes quien habla:

"larga más de siete pies; toda era notomía de huesos, cubiertos con una piel negra, vellosa y curtida; con la barriga que era de badana se cubría las partes deshonestas, y aun le colgaba hasta la mitad de los muslos; las tetas semejaban dos vejigas de vaca, secas y arrugadas; denegridos los labios, traspillados los dientes, la nariz corva y entablada, desencajados los ojos, la cabeza desgreñada, las mejillas chupadas, angosta la garganta y los pechos sumidos".

Goya, como si fuera un naturalista registrando especies, pintó todo tipo de brujas. No solo brujas viejas cervantinas como la arriba descrita, sino también brujas jóvenes, vestidas o desnudas. Completamente humanas o con alas y otras extremidades de animales. En pleno ritual o volando en sus escobas camino del aquelarre.

A través de sus cuadros quería denunciar vicios que se producían en la sociedad de su tiempo. Lo hacía con esas caricaturas impactantes. ¿O a lo mejor estaba iniciado en el ocultismo y pintaba lo que veía?.... imposible para un ilustrado.

LADRIDOS - Poesía Visual

Llave.
Joan Brossa.


Olisqueando nos encontramos con un sencillo dibujo. Una llave con las letras de un abecedario formando sus dientes. Una primera impresión me surge de forma automática, la palabra para abrir puertas. Palabra que entrará en nuestra mente o corazones. No descubrimos nada, las palabras son la llave que usamos constantemente para abrirnos paso, pero Brossa hace un poema visual con ello.


El dibujo, a nivel técnico en fin....el autor no necesitaba nada más para decirnos el mensaje. Incluso la sencillez en la ejecución forma parte de su intención. Tiene obras mucho más complejas pero aquí decide que no necesita más. Para hacer poesía no hace falta más que poesía.


Poesía visual, obras sencillas que se consumen como quien toma una cucharada de un postre que difícilmente se puede indigestar. Fotos, óleo, objetos, sombras, y muy a menudo letras formando palabras o simplemente insinuándolas.


La poesía visual pasea entre varias disciplinas. Pintura , poesía, teatro, música. Por eso descubrimos escultores, pintores y como no poetas.

Alberti.


Picasso dijo a Alberti: «Yo pinto la pintura como admiración, pero tú tienes más suerte que yo, porque tú pintas la poesía», y Alberti pintó una poesía a su amigo Picasso.


La poesía visual se escapa de cualquier definición. Lo mejor es disfrutar con ella. Gracias a la facilidad que nos da Internet podemos conocer este tipo de arte, normalmente sencillo y directo.

LA RACION DEL DIA - JOAN BROSSA colgando poesías

"Los poemas ya no se leen. Se ven." Víctor Pozanco

Joan Brossa murió en al año 1998 con casi 80 años. Así que afortunadamente para nosotros le dio tiempo a hacer muchas cosas. Ante todo la obra de Joan Brossa se puede considerar como poesía. Pero también visitó el mundo de las artes plástica y como resultado nos dejó una extensa obra de poesía visual.


"Para ser feliz, mortal, camina siempre y olvida"




No es necesario que hagamos muchas observaciones sobre una obra de poesía visual. Lo mejor es disfrutar viendo o leyendo, como prefieran decirlo.

                                                                       Burocracia

Pistola

Algunos enlaces:

http://www.joanbrossa.org/

http://www.fundacio-joan-brossa.org/

Algunas palabras para olisquear:

Poesía objetual, poesía sonora, poema acción, concretismo, letrismo,

UN LADRIDO DE PRESENTACIÓN

     Hay muchas formas de acercarse al Arte. La Galería de Walter quiere hacerlo de forma informal, sencilla, tocar temas variados y de forma rápida, unos cuantos ladridos que no asusten esperando despertar vuestra curiosidad. Para encontrar páginas y páginas de información deberéis buscar en la red, donde hay trabajos y presentaciones excelentes sobre estos temas.
   
   Sobre todo queremos que La Galería sea un punto de encuentro para todos aquellos que quieran encontrar un lugar donde hablar de arte o exponer sus propias obras. Por eso propondremos actividades para hacer juntos. Visitar museos. Jornadas de pintura al aire libre (para el que mueve los pinceles claro). Habrá sitio para colgar vuestros cuadros y para escribir historias, narraciones a ser posible que tengan que ver con el arte.


     Para muchos una galería de arte es un lugar íntimo, donde no sientes la multitud que te rodea en un museo, en ocasiones acompañadas por ruidos molestos. Un lugar donde pasear y rebuscar entre obras, simplemente para disfrutar de ellas un instante o toda una vida si decides llevarte alguna a tu casa.


     Esta galería aun está vacía. Queremos llenar sus paredes poco a poco. No sabemos qué aspecto tendrá. En gran medida esto dependerá de vosotros por que esperamos que muchos seáis colaboradores con vuestros cuadros,ideas y opiniones.


     Será muy raro que podáis comprar una de las obras que pasen por aquí. Pero lo que sí os llevareis será la idea. Algo también muy valioso. Una galería de ideas. Ideas que quieren despertar vuestra curiosidad para buscar más, leer, visitar, comentar y los más creativos hacer. Por nuestra galería pasaran diferentes movimientos artísticos, que presentaremos de forma breve, con un par de pinceladas, que solo buscan despertar vuestra curiosidad.


   Profundizar en el tema tratado sólo dependerá de vosotros.


     Nuestra galería tendrá obras que podréis encontrar en la sierra de Guadarrama, en Madrid capital que está al lado y en el resto del mundo .... que también está cerca.


    Esperamos vuestra colaboración para completar esta galería de ideas.


                                                                                                                             Walter.

LADRIDOS

Mucha gente, especialmente los no iniciados, piensan que gran parte del arte moderno es "dudoso". No vamos a hablar de moda, marketing o decoración que suelen ser argumentos muy usados para intentar desprestigiar algunos movimientos de arte moderno. Estaréis cansados de oírlo pero es cierto, hay que acercarse de forma distinta a estas obras, por que pueden tener truco.



"Lo malo de la pintura abstracta es que hay que molestarse en leer el título de los cuadros"
                                                                                               
                                  Oscar Pin.




     No siempre deberíamos pensar en una obra de arte como algo que nos guste colgar en el salón, o como una escultura ideal para esa casa que siempre soñamos. Está claro que las obras de arte no son sólo eso. En ocasiones son feas, horribles, que hasta nos hacen girar la cabeza para mirar hacia otro lado, o incluso son absurdas, "in-colgables", no están hechas para estar en una pared. Y qué decir de las que son temporales y desaparecen en días, horas o minutos..

"Las obras de arte se dividen en dos categorías: las que me gustan y las que no me gustan. No conozco ningún otro criterio."


                                                                      Antón Chejov.

     Nos gustaría que os acercarais a estas obras y artistas desde otro punto de vista. Probemos a olvidar si merecen estar en los museos o en los libros de arte. Olvidemos también si el dinero que se pagan por ellas es merecido o no.


    Centrémonos en dos cosas: lo primero es que el artista busca una reacción en nosotros, casi siempre trata de hacerlo. Hazte esta primera pregnta cuando mires una obra de arte: ¿qué nos quiere decir?, como si fuera el juego de las películas que con mímica quiere decirnos algo. O como si hablara otro idioma.
    
   Y en segundo lugar nos tenemos que fijar en la forma que utiliza para causar esa reacción. Usa su técnica para crear la obra. Fijate en los detalles, en las pinceladas, hasta puedes buscar los errores que siempre se escapa alguno. Acercate al cuadro para sentirte casi como el pintor dando la pincelada y después alejate para disfrutar del conjunto de todos los detalles.

    En ocasiones no solo nos tenemos que quedar en el resultado final de la obra, sino también en el proceso de creación. Algunas obras las entendemos de una forma más plena, nos dicen más cosas, cuando conocemos cómo han sido realizadas. ( Usando como ejemplo una obra de este mes, el autor utiliza una avioneta para hacer nubes en el cielo, podemos ver una filmación del vuelo y asi sentirnos téstigos de esa obra, la sensación es distinta a simplemente ver el resultado.)

"Rastro: antes de entrar en una exposición llevar siempre preparadas, como mínimo, las dos preguntas"

   Es posible que hayamos estado un rato contemplando una obra, y puede que al final decidamos que estéticamente no nos gusta, quizá su autor no pretendía agradarnos estéticamente. Quizá buscó hacer una demostración de su habilidad con los materiales, o deslumbrarnos con su creatividad. O simplemente quiso decirnos algo, sin más pretensiones que comunicar su idea. Tal vez este arte no nos emociona, ni nos deja sin palabras, pero seguro que de un modo u otro nos ha entretenido...y con eso debería bastar.

   Dentro del concepto amplio de arte moderno encontramos el arte conceptual, usaremos el artículo de este mes para hacer una breve referencia a este movimiento artístico, que es uno de los más alejados a la idea tradicional de Arte.


 EL HUESO - ARTE CONCEPTUAL:


   Movimiento que situamos en la segunda mitad del siglo xx. Muy difícil hacer una definición rápida pero a modo de introducción la hacemos: El concepto es más importante que el objeto artístico.


   El artista conceptual usa elementos inusuales para expresar su idea, quiere que disfrutemos con el concepto que nos transmite, busca nuestra reacción ante el contenido. Que pensemos sobre la obra de arte, dejando los elementos formales en un segundo plano.

"Mientras la ciencia tranquiliza, el arte perturba."

                                                  George Braque


   En muchas ocasiones es un arte efímero por lo que encontraremos muy pocas obras en los museos. Solo las fotografías han quedado como prueba de su existencia.


Palabras clave para buscar y saber más:


BODY ART, LAND ART, MARCEL DUCHAMP, GUTAI, YVES KLEIN. PIERO MANZONI…y un largo etc, estas son solo algunas para indicaros por donde podeís empezar.

LA RACIÓN DEL DÍA - Vik Muniz

     Calavera de Payaso... La obra no importa, lo importante es la idea.

     Qué difícil definir Arte. También es verdad que importa muy poco hacerlo. El Arte siempre nos sorprende con más y más creaciones que se escapan de cualquier definición. Como si la creatividad del hombre se negará a estar encerrada en una definición de unas cuantas lineas.

    

     ¿Se puede hacer un retrato de la Mona Lisa con mermelada y pretender que sea arte?. ¿Una última cena con chocolate?. ¿Dibujar nubes con humo en el cielo? ¿Todo eso sería arte?. Pues sí.

    

      Vik Muniz es brasileño, nació en el año 1961, y es un artista conceptual cada vez más reconocido.
   Como él mismo dice usa la fotografía, la pintura y el collage para innovar en sus creaciones y sorprendernos con resultados a los que llega, en apariencia, con sencillez. Bueno ..... en ocasiones es que llega con sencillez.

    Usa de todo para crear sus obras, hace cuadros amontonando hilo y más hilo sobre el lienzo.
   Reproduce cuadros famosos con chocolate o mermelada.
  Usa el caviar para hacer retratos (suponemos que utilizará  sucedáneo)
   Con alambre crea sobre un lienzo blanco lo que desde lejos parece un dibujo a lápiz, y cuando te mueves alrededor del cuadro lo que antes era un dibujo plano se llena de sombras y estructuras. A la vez que descubres que solo es un alambre.....

Tan pronto usa azúcar con la que hace montoncitos para hacer un retrato, como usa un plato de pasta italiana donde representa un tema clásico como es el monstruo mitológico Medusa, esta vez con el pelo no de serpientes sino de espaguetis y surgiendo de un mar de salsa de tomate.
   Usó hasta el polvo recogido de un museo para reproducir obras expuestas en ese mismo museo, como él dicé incorporó el ADN de los visitantes a la colección artística.
   No nos queda duda de que se lo pasa muy bien haciendo este tipo de arte. También disfruta contándolo como hemos podido comprobar en alguna presentación.

                                

                                                       ALGUNAS OBRAS DE VIK MUNIZ

Calavera de Payaso


Según el autor pertenece a una antigua raza de entretenedores encontrada en unas excavaciones de México.


En ocasiones usa objetos y obras muy reconocibles y los presenta de una forma que nos sorprende. En este caso una calavera con nariz de payaso. Una idea sencilla, fácil, creativa. Sin mayor pretensión que la de hacernos reír un rato. Se nos podía haber ocurrido a cualquiera…era tan fácil…

Nube sobre Manhattan




Pintando con humo. "Uso nubes para dibujar nubes."




Con una avioneta traza nubes en el cielo. De esta forma dibuja delante de muchas personas a la vez. Es fácil imaginar cómo nos pararíamos en medio de la calle para mirar ese lienzo, y da igual las prisas que llevemos o lo enfadados que estemos, seguro que sonreímos. A fin y al cabo son nubes de dibujos animados.


Otra vez una obra que no es difícil de hacer. No hay que tener grandes conocimientos en la técnica, salvo conocer a alguien que pilote una avioneta. Una vez más la idea, el concepto, más importante que la obra misma.

Narciso.

Saturno

Muy habitual entre las creaciones de Vik Muniz. Recurrir a las obras maestras. Obras que todos reconocemos, y las reproduce con materiales diversos, en este caso chatarra. En otras ocasiones mermelada, chocolate o el mencionado plato de espaguetis. Al final solo quedarán fotografías. Una obra conceptual suele desaparecer. Solo fotos para inmortalizar la creatividad de estos artistas.

No es un dibujo a lápiz, está hecho con alambre, pero al presentarlo sobre un fondo blanco parece un dibujo convencional. Al movernos veríamos las sombras del alambre sobre el fondo, veríamos el volumen. Las sombras, y por lo tanto el "dibujo"cambiaría según caminamos a su alrededor.

Tal y como podemos leer en alguna entrevista, experimenta con materiales, jugando con ellos. Ahora alambre, luego algodón o hilo.